Tomobiki Märchenland: marzo 2006

31 marzo 2006

The producers (S. Stroman, 2005)

The producers – Una gaia commedia neonazista (The producers)
di Susan Stroman – USA 2005
con Nathan Lane, Matthew Broderick, Uma Thurman
**1/2

Visto al cinema President.

Adattamento cinematografico di uno spettacolo teatrale di Mel Brooks, a sua volta tratto dalla sceneggiatura del suo primo film da regista, "Per favore non toccate le vecchiette", del 1968. Stavolta Brooks si limita a sceneggiare e a produrre, mentre la regia è della coreografa che aveva diretto anche il musical a Broadway. E si vede: tutta l'impostazione è da "teatro filmato", anche se in casi come questi l'atmosfera irreale e le luci del palcoscenico non guastano. E comunque è sempre meglio di "Chicago", per intenderci.
La storia: due produttori falliti provano a frodare il fisco, mettendo in scena uno spettacolo a Broadway che nelle loro intenzioni dovrà essere un flop catastrofico, per poi fuggire con il denaro delle vecchiette finanziatrici. Scelgono perciò il peggior copione disponibile (una delirante commedia su Hitler), il peggior regista sulla piazza, il peggior cast immaginabile, e così via, ma naturalmente l'insieme di tante assurdità viene accolto dal pubblico con entusiasmo e dalla critica come un'opera geniale!
La prima parte mi è piaciuta molto e l'ho trovata davvero esilarante. La seconda, invece, mi è parsa un po' più sottotono e meno irriverente, anche perché le canzoni (dello stesso Brooks) non sono francamente nulla di che. Menzione di merito per il protagonista Nathan Lane, un personaggio molto espressivo e quanto mai "brooksiano", e per una solare Uma Thurman, sempre più bella e brava, alle prese con un ruolo alla Marilyn.

The last blood (Wong Jing, 1991)

The last blood (Jing tian shi er xiao)
di Wong Jing – Hong Kong 1991
con Andy Lau, Alan Tam, Eric Tsang
**

Visto in VHS, in originale con sottotitoli in inglese.

Nell'attacco di un gruppo di terroristi giapponesi a Singapore, rimangono feriti il Dalai Lama (!!) e una turista di passaggio. Un poliziotto e il fidanzato della ragazza devono rintracciare e proteggere l'unico individuo in tutta Singapore a possedere il raro gruppo sanguigno necessario per le trasfusioni, mentre i terroristi cercano in ogni modo di farlo fuori.
Conosciuto anche come "Hard Boiled 2" (ma non ha niente a che fare con il film di John Woo: è stato addirittura girato un anno prima!), è il tipico prodotto di Wong Jing che alterna senza ritegno scene trucide e violente a momenti di commedia e di farsa sgangherata. Come film d'azione, a tratti, è anche piacevole, se si passa sopra alle assurdità della trama e al comportamento insensato di alcuni personaggi.

Just heroes (John Woo, 1989)

Just heroes (Yi dan qun ying)
di John Woo, Wu Ma – Hong Kong 1989
con David Chiang, Danny Lee, Kuan Tai Chen
**

Visto in VHS, in originale con sottotitoli in inglese.

E' giunto il momento di recuperare un po' di vecchi film di John Woo. Questo non è disprezzabile: non certo all'altezza dei suoi titoli più famosi ma comunque abbastanza godibile soprattutto nelle scene d'azione (che poi pare siano le uniche parti girate da Woo, mentre le scene di raccordo sono del veterano Wu Ma). La trama, invece, è un po' contorta e non particolarmente originale: tre gangster si contendono il comando della banda dopo che il gran boss è rimasto ucciso in un agguato a tradimento. L'identità del cattivo viene rivelata soltanto nel finale, prima della sparatoria conclusiva. Buon cast, anche se gli attori non sono carismatici come Chow Yun Fat o Leslie Cheung. Da notare una piccola parte drammatica e quasi da cattivo per Stephen Chow, nei panni del giovane pupillo di uno dei gangster. Divertenti autocitazioni da "A better tomorrow", con un personaggio stupido che ripete le stesse battute di Chow Yun Fat e nasconde le pistole nei vasi di fiori ma dimentica prima di caricarle.

Heroes shed no tears (John Woo, 1983)

Heroes shed no tears (Yingxiong wu lei)
di John Woo – Hong Kong 1983 (uscito nel 1986)
Con Eddy Ko, Lam Ching-Ying
*1/2

Visto in VHS, doppiato in inglese.

Un'altra VHS acquistata molti anni fa e che finora non avevo ancora visto.
Un gruppo di mercenari cinesi combatte nel "triangolo d'oro" (in Cambogia, Thailandia, Birmania) contro guerriglieri e signori della droga. L'ambientazione è simile a quella di "Bullet in the head", ma lo stile di John Woo era ancora grezzo (si trattava del suo primo film d'azione contemporaneo), anche se qua e là si intravede la mano di un regista che ha molte idee e sa come filmare esplosioni e sparatorie apocalittiche, nonostante la povertà del budget e l'assenza di una sceneggiatura decente. Gli immancabili temi dell'amicizia e dell'eroismo ci sono, ma manca la tensione, e dunque la partecipazione e il coinvolgimento dello spettatore. Pare comunque che il film, che in origine doveva chiamarsi "The sunset warriors", sia stato rimaneggiato dai produttori, che hanno inserito contro il volere di Woo alcune scene più leggere per renderlo meno pessimista e lo hanno fatto uscire nelle sale soltanto dopo il successo di "A better tomorrow".

29 marzo 2006

Arrivederci amore ciao (M. Soavi, 2006)

Arrivederci amore ciao
di Michele Soavi – Italia 2006
con Alessio Boni, Michele Placido, Alina Nadelea
**1/2

Visto questo pomeriggio, al cinema Eliseo.

Dopo un'annata cinematografica fra le più deludenti che io ricordi, ultimamente tutti i film che sto vedendo al cinema mi stanno piacendo molto. Sarà l'effetto della primavera?

"Arrivederci amore ciao" è per certi versi sorprendente. Dopo che negli ultimi dieci anni aveva realizzato soltanto fiction televisive, Soavi dimostra di essere ancora un regista capace e coraggioso. Con questa pellicola, solo in apparenza un thriller poliziesco, dà vita a una storia dura, violenta, cinica e amara, che difficilmente avrebbe potuto essere raccontata dalla TV italiana, così perbenista e consolatoria. Il protagonista, un ottimo Alessio Boni (così diverso qui rispetto a "La meglio gioventù"!), è un personaggio completamente negativo e amorale, un ex terrorista e guerrigliero che non dimostra attaccamento né per le cause per cui combatte né per compagni e amici, tradendoli tutti alla prima opportunità (sin dalla prima scena del film) e sfruttando ogni occasione per far soldi, salvare la pelle e andare avanti per la propria strada verso una quanto mai ironica "riabilitazione" sociale e giudiziaria.
In un mondo spietato che si divide in carogne (in prima fila poliziotti e politici corrotti, che ne escono anche peggio dei criminali) e vittime (soprattutto le donne: il film è decisamente misogino), il protagonista lotta per restare a galla mentre tutti quelli attorno a lui cadono come mosche (comprese le mosche!). E anche il film riesce a mantenersi lucido e coerente, senza i virtuosismi videoclippari che penalizzano molti giovani registi, senza cedimenti narrativi o concessioni alla soluzione più facile. A costo di scandalizzare qualche spettatore, quando partono i titoli di coda, per l'assenza di una "resa dei conti" che in un certo senso ci si attendeva da un momento all'altro ma che avrebbe annacquato la forza della vicenda. Comunque la sceneggiatura non è una semplice sequenza di nefandezze: Soavi, che ha adattato il romanzo di Massimo Carlotto, cerca di scavare nell'animo di un personaggio il cui desiderio, in fin dei conti, è quello di rifarsi una vita "pulita" e "onesta" con ogni mezzo, né più né meno del Viggo Mortensen di "A history of violence". E che se sembra non provare rimorsi di coscienza, quanto meno è tormentato dai fantasmi del passato e da quello che poteva essere e non è stato, come dimostrano la sequenza del sogno e le molteplici scene in cui ascolta la canzone che dà il titolo al film.

Nota: cosa strana per una pellicola italiana, ne esiste anche una versione a fumetti (in realtà anch'essa è un adattamento del libro di Carlotto), che però non ho letto. Sceneggiata da Luca Crovi e disegnata da Andrea Mutti, è stata pubblicata dalle edizioni BD. Un altro parallelismo con "A history of violence", visto che quest'ultimo era tratto da una graphic novel?

28 marzo 2006

Il caimano (Nanni Moretti, 2006)

Il caimano
di Nanni Moretti – Italia 2006
con Silvio Orlando, Margherita Buy, Jasmine Trinca
***

Visto al cinema Colosseo.

Parlare dell'ultimo film di Moretti è difficile, e non solo perché in questi giorni ne stanno parlando tutti, anche e soprattutto chi non l'ha visto e non andrà a vederlo. È difficile perché in realtà non è un film, sono due. La parte principale della pellicola è la storia di un produttore cinematografico in crisi (sentimentale, economica, culturale) ed è anche un omaggio al mondo del cinema italiano, all'industria del trash anni '70 che oggi si è dovuta riciclare nelle fiction, nei festival, nella pubblicità. Il protagonista, il bravissimo Silvio Orlando è circondato dalle partecipazioni speciali di decine di registi e collaboratori vari (Montaldo, Virzì, Grimaldi, Garrone, Sorrentino, Mazzacurati, De Maria, Placido, Stuhr, e chi più ne ha più ne metta…). Questa prima parte (che occupa il 95% della pellicola) non è un film politico: il fatto che il soggetto del film che il produttore deve girare sia Berlusconi è del tutto irrilevante. Potrebbe trattarsi di qualsiasi altro argomento di attualità, senza che il significato e il contenuto della storia personale di Orlando cambino di una virgola. Lo dimostra anche il fatto che il personaggio di Jasmine Trinca, la regista "impegnata", sembra scollato dal resto del film e non particolarmente approfondito. Lei è bella, brava e simpatica, ma le motivazioni antiberlusconiane del suo personaggio, che dovrebbero essere il "motore" della vicenda, sono buttate lì, dichiarate ma mai spiegate chiaramente. Il film politico, quello di cui tutti i giornali stanno parlando in questi giorni, viene fuori invece soltanto nell'ultima scena. Negli ultimi cinque minuti, quando Silvio Orlando non è più sullo schermo e il protagonista (guarda caso) diventa Nanni Moretti in prima persona. Solo allora, "Il caimano" diventa un film su (contro) Berlusconi. Inutile dire che è la parte più interessante del film: forte, viscerale, amara, coinvolgente. Tutto quello che viene prima, per quanto bello, non è certo meglio di molte cose che Moretti ha già fatto in passato.

Nota: quando sullo schermo sono apparse le immagini de "La città incantata" di Miyazaki, ho sobbalzato nella poltrona. A Moretti, nei suoi film, capita spesso di criticare cinematograficamente altre pellicole (come fece con "Henry pioggia di sangue" in "Caro diario"), e temevo che le scene di quella che ritengo una delle opere migliori di Miyazaki servissero a dare contro, come purtroppo capita spesso in Italia, ai "cartoni giapponesi violenti". Per fortuna tutto si esaurisce in pochi istanti, con Silvio Orlando che dà anche un lapidario giudizio: "è bello". Anche se, ripensandoci, non è che i gusti di Orlando nel film coincidano con quelli di Moretti, che non ha mai fatto film trash (anche se li ama), non ha mai votato Berlusconi, non direbbe mai che Dida è meglio di Buffon… :-)

Wallace & Gromit - La maledizione del coniglio mannaro (N. Park, 2005)

Wallace & Gromit – La maledizione del coniglio mannaro
(Wallace & Gromit in The curse of the were-rabbit)
di Steve Box e Nick Park – Gran Bretagna 2005
animazione con plastilina
***

Visto la settimana scorsa, al cinema Maestoso.

Sono un fan dei personaggi di Nick Park sin da quando ho visto per la prima volta lo splendido "The wrong trousers" al festival di Annecy, a metà degli anni '90. Attendevo perciò con impazienza questo loro primo lungometraggio (il secondo della Aardman dopo "Galline in fuga"), che fra l'altro ha pure vinto meritatamente l'Oscar a discapito di Tim Burton ("La sposa cadavere") e Miyazaki ("Il castello errante di Howl").
La pellicola mi è piaciuta molto, è divertente e movimentata. Però, viste le aspettative elevatissime, un po' di delusione c'è: in fin dei conti la storia non è più complessa di quella dei cortometraggi, anzi tutto sommato poteva essere raccontata nei soliti 25-30 minuti dei film precedenti. Avrei gradito che il maggior tempo a disposizione fosse stato sfruttato meglio. E se Wallace e soprattutto Gromit continuano a essere dei veri mattatori, i personaggi di contorno mi sono sembrati un po' debolucci: i conigli non valgono le pecore di "A close shave", mentre la nobildonna di cui si innamora Wallace e il suo spasimante cacciatore sono decisamente stereotipati. Manca, insomma, un tocco surreale e geniale come quello del pinguino che si traveste da pollo in "The wrong trousers".
Come sempre, scenografie, luci e regia sono quasi perfette, e l'animazione con la plastilina è al top: sul grande schermo della sala cinematografica è possibile addirittura vedere le impronte digitali degli animatori che appaiono e scompaiono – fra un fotogramma e l'altro – sui volti dei nostri eroi!

Sky High - Scuola di superpoteri (M. Mitchell, 2005)

Sky High – Scuola di superpoteri (Sky High)
di Mike Mitchell – USA 2005
con Michael Angarano, Danielle Panabaker
**1/2

Visto in divx.

Una godibile commedia adolescenziale, ambientata in un universo di classici supereroi in stile Marvel o DC. Il ragazzino protagonista è in effetti il figlio della coppia di supereroi più potente del pianeta. Ma, a differenza dei suoi amici e compagni di scuola, non ha ancora sviluppato i propri poteri. Gran parte del film si svolge in un liceo che somiglia da vicino a quello di "Mean Girls" o di altri film del genere, ma anche alla scuola di "Harry Potter". Invece della magia, gli insegnanti spiegano come usare i superpoteri. Il film è pieno di gag divertentissime per chi legge questo tipo di fumetti: dall'ingrato ruolo delle "spalle", ai nemici giurati, e così via. Anche la presenza dei soliti cliché dei film di ambientazione liceale non disturba, essendo tutti rivisitati in versione supereroistica. La partecipazione di attori del calibro di Kurt Russell e Bruce Campbell è la ciliegina sulla torta. Certo, non si tratta nulla di originale (gli sviluppi narrativi sono tutti molto prevedibili), ma mi ha divertito parecchio.
È curioso che proprio adesso, con tutti i film di supereroi che stanno uscendo, le pellicole che più di tutte sono riuscite a catturare e ad esprimere la vera essenza dell'eroe in costume siano state due parodie: questa e "Mystery Men" (ai quali si potrebbe aggiungere "Gli incredibili" della Pixar). Parlo naturalmente del supereroe "classico", quello tanto amato da Alan Moore (vedi "Supreme", "Tom Strong", "Top Ten") e dai lettori più anziani ma che forse i fan più giovani ritengono troppo ingenuo e leggero, preferendo toni più oscuri e drammatici. Non ho dubbi che questi ultimi indicherebbero "Unbreakable" di M. Night Shyamalan come perfetto esempio di supereroi "realistici". Ma lì si tratta dei supereroi post-Watchmen, non di quelli della Golden Age.

Stalag 17 (B. Wilder, 1953)

Stalag 17 - L'inferno dei vivi (Stalag 17)
di Billy Wilder – USA 1953
con William Holden, Don Taylor
***

Visto in DVD, in italiano.

Bello, com'era lecito attendersi da Wilder. Commedia costruita su un soggetto drammatico, ma l'equilibrio fra i due registri è perfetto. Ambientato in un campo di prigionia, il film è forse precursore di altri come "La vita è bella" o "M.A.S.H.". Niente retorica, anzi molto antieroismo, a partire dalla frase iniziale fuoricampo ("Ne ho abbastanza di tutti questi film di guerra con bombardamenti, prodezze e guerriglia…"). Molto bravo William Holden nella parte del soldato "maneggione" che riesce a fare affari anche nel campo di prigionia. Grande anche Otto Preminger nei panni del comandante tedesco.
Piccole divertenti gag qua e là (come Preminger che indossa gli stivali soltanto per battere i tacchi mentre parla al telefono, o il prigioniero che riceve per posta le rate della macchina da pagare). Il doppiaggio è evidentemente d'epoca, visto che uno dei tedeschi viene chiamato "Giovanni Sebastiano Schulz, come il compositore".
Curiosità: i tedeschi non appaiono "eccessivamente cattivi" come siamo abituati con i nazisti dei film più recenti. Semmai a volte sembrano un po' tonti e bonaccioni (vedi proprio Schulz). Sicuramente ha contribuito il tono cinico e sarcastico di Wilder, che se non sbaglio all'epoca venne criticato per la sua debole presa di posizione nei confronti del "nemico". E forse l'autore non intendeva mostrare un mondo diviso in buoni e cattivi, ma che in ogni individuo c'è una parte buona e una cattiva. Come mi hanno fatto notare, "il film non va inteso solo come una storia sulle condizioni di vita in un campo di prigionia o sui rapporti fra tedeschi e americani, ma vuole far riflettere sui risvolti amari della delazione, e dei pregiudizi che possono nascere nei rapporti umani".

27 marzo 2006

Il gusto dell'anguria (Tsai Ming-Liang, 2005)

Il gusto dell'anguria (The wayward cloud)
di Tsai Ming-Liang – Taiwan 2005
con Lee Kang-Sheng, Chen Shiang-Chyi
***

Visto alla Fogona, in lingua originale con sottotitoli.

I personaggi sono gli stessi di "Che ora è laggiù?" (a dirla tutta, forse Lee Kang-Sheng interpreta sempre lo stesso personaggio in tutti i film di Tsai Ming-Liang: non a caso il nome è sempre identico, Hsiao-Kang). Lui adesso recita in scalcinati film porno, lei lavora in una videoteca. Complice un'anguria galeotta, si ritrovano e danno vita a una passionale relazione, mentre a Taiwan impazzano il caldo e la siccità (cosa strana, per il regista che più di tutti – forse insieme a Tarkovsky – ama rappresentare la pioggia, l'acqua e l'umidità).
La storia è più o meno tutto qui, il resto è il solito Tsai Ming-Liang che a me piace molto, con i suoi silenzi e la sua lentezza, i suoi spazi e i suoi sguardi, i suoi personaggi introversi e le loro strane ossessioni, le sue divagazioni erotiche e surreali, stavolta particolarmente hard. C'è chi accusa l'Antonioni di Taiwan di essersi involuto, io invece ritengo che sia sempre perfettamente coerente nel fare un tipo di cinema personalissimo, essenziale (nel vero senso della parola) ma comunque ricco, esteticamente coraggioso e inventivo. Qui poi, come aveva già fatto in "The hole", ravviva il tutto inserendo dei siparietti musicali con vecchie canzoni romantiche, kitsch, allegre o stupide, che rendono la storia un po' meno claustrofobica. La protagonista Chien Shiang-Chyi, anche lei habituè dei film di Tsai, mi è parsa particolarmente sexy, più per la sua "fisicità" e il modo di recitare col corpo che per la sua bellezza.

Goodbye, Dragon Inn (Tsai Ming-Liang, 2003)

Goodbye, Dragon Inn (Bu San)
di Tsai Ming-Liang – Taiwan 2003
con Lee Kang-Sheng, Chen Shiang-Chyi
***1/2

Visto qualche anno fa, al cinema Plinius.

In una vecchia sala cinematografica, in procinto di essere definitivamente chiusa il giorno dopo, viene proiettato il wuxiapian di King Hu "Dragon Inn". Fra i pochissimi spettatori ci sono strani individui: alcuni forse sono spiriti e altri sono gli stessi attori del film, ormai invecchiati. Come gli spadaccini sullo schermo sono intrappolati nella locanda a combattere fra loro, così gli spettatori sembrano prigionieri nella sala mentre fuori diluvia incessantemente. I tempi appaiono dilatati, i suoni amplificati, nessuno parla mai ma il risultato è davvero affascinante, un omaggio alle vecchie sale di una volta, prima dell'era dei multiplex. L'intera pellicola, d'altronde, è un atto d'amore verso il cinema inteso non solo come arte ma soprattutto come luogo.

Dopo "Il gusto dell'anguria", mi sono voluto rivedere il penultimo film di Tsai che – a differenza dell'ultimo – non è mai uscito in Italia nel circuito dei cinema. L'avevo visto per la prima volta in occasione della rassegna dei film di Venezia. Ricordo che quasi la metà degli spettatori aveva abbandonato la sala durante la proiezione, non sopportando l'estrema lentezza del film e l'apparente assenza di avvenimenti. Io e i pochi resistiti fino alla fine eravamo poi scoppiati in un fragoroso applauso (per me sincero, per gli altri non so quanto liberatorio!). Non sarà il capolavoro di Tsai (quello forse è "Vive l'amour"), ma è uno dei suoi film più belli e paradigmatici. Forse è addirittura il meno parlato: il primo dialogo, peraltro importantissimo, arriva dopo circa 45 minuti.
Al di là dei contenuti (fra i temi c'è sempre quello dell'incomunicabilità), perché mi piace questo tipo di film? Perché lo trovo molto rilassante, anche quando sembra che non accada niente e lo schermo ci mostra per decine di minuti una panoramica sulle sedie vuote o un personaggio che cammina lentamente (magari zoppicando) lungo un corridoio. Le pellicole di Tsai Ming-Liang potrebbero durare anche quattro o cinque ore, e non mi stancherei di vederle: è come osservare un paesaggio, ascoltare la risacca del mare oppure attendere un tramonto. Quanto al fatto che i personaggi parlino poco, questo aiuta a valorizzare i rumori ambientali, sempre importantissimi nei suoi film, che si tratti della pioggia che cade o dei passi di una donna che cammina.

26 marzo 2006

Lo specchio scuro (R. Siodmak, 1946)

Lo specchio scuro (The dark mirror)
di Robert Siodmak – USA 1946
con Olivia de Havilland, Lew Ayres
**1/2

Visto in DVD alla Fogona.

Un bel giallo psicologico. Olivia de Havilland interpreta la parte di due sorelle gemelle, una delle quali viene sospettata di omicidio: poiché è impossibile distinguere una sorella dall'altra, e dunque individuare e incriminare la colpevole, la polizia incarica uno psichiatra di tracciare un profilo psicologico delle due per definirne le diverse personalità. Naturalmente lo psichiatra si innamora di una delle due. Fra i punti di forza, l'interpretazione della de Havilland, bravissima nel consentire allo spettatore di distinguere le due gemelle grazie a pochissimi dettagli della sua recitazione, senza mai calcare la mano. Fra i difetti, una certa ingenuità della narrazione, anche se immagino che si trattasse di uno dei primi film a mostrare al pubblico in modo realistico gli strumenti di un'indagine psichiatrica (macchie di Rorschach e cose del genere). Molto belli gli "effetti" che consentono alla protagonista di recitare con se stessa sullo schermo: le transizioni non sono quasi mai visibili, e il tutto appare molto realistico (la fotografia in bianco e nero aiuta).

23 marzo 2006

Transamerica (D. Tucker, 2005)

Transamerica (id.)
di Duncan Tucker – USA 2005
con Felicity Huffman, Kevin Zegers
***

Visto ieri sera al cinema Eliseo, con Albertino e Paola.

Negli ultimi mesi sono stati almeno tre i film con un soggetto simile, quello del padre in cerca di un figlio che non ha mai conosciuto e non sapeva di avere: "Non bussare alla mia porta" di Wenders, "Broken flowers" di Jarmush e questo. Tutti e tre road-movie che attraversano l'America, con temi simili, effettivamente poco originali ma sempre validi (la riscoperta di sé stessi, la conquista degli affetti, ecc.). Questo forse è il più bello dei tre, e non tanto per l'elemento trasgressivo (la transessualità del/la protagonista non è mai presentata in maniera volgare) quanto per il suo perfetto equilibrio fra dramma e commedia, senza che la sceneggiatura sfoci mai nella retorica (né "pro" né "contro"). Il personaggio di Stanley/Bree è fenomenale e regge praticamente da solo tutto il film. La Huffman, davvero eccezionale, avrebbe meritato l'Oscar che invece è andato a Reese Witherspoon (per un film che non ho visto).
Non mi pare che la storia venga mai collocata temporalmente (non ci sono date nel film), ma potrebbe benissimo svolgersi nei primi anni '80. Niente, dai vestiti dei personaggi, alle automobili usate, alla tecnologia presente, sembra appartenere al ventunesimo secolo. Forse anche questo aiuta ad accomunare il film ai tanti road-movie di quegli anni (a partire da "Paris, Texas" di Wenders, guarda caso anche quello sul rapporto fra un padre e un figlio che si sono appena conosciuti).
Paola ieri mi aveva detto che il film le sembrava ambientato in Australia, senza sapere spiegare il perché di questa impressione. Avevo pensato che forse il deserto del southwest americano fosse simile a quello australiano, ma ora mi rendo conto che forse è stata anche l'influenza di "Priscilla", col quale peraltro ha poco a che fare. Fra l'altro, Bree stessa nel film a un certo punto specifica "sono una transessuale, non una travestita".
In conclusione, un bellissimo film, che cresce nella seconda parte (soprattutto dall'incontro con i genitori di Bree, divertentissimo). Il merito credo che vada alla sceneggiatura (e agli attori) più che alla regia, comunque efficace (Tucker è al suo primo lungometraggio). Il titolo è più che mai azzeccato e per una volta trovo giusto che non sia stato cambiato in italiano.

22 marzo 2006

Angel-A (Luc Besson, 2005)

Angel-A (id.)
di Luc Besson - Francia 2005
con Jamel Debbouze, Rie Rasmussen
*1/2

Visto al cinema Apollo, qualche giorno fa.

Deludente ma soprattutto inutile. Luc Besson non dirigeva un film dal 1999 ("Giovanna d'Arco") e in questo periodo si era limitato a produrre svariate "bessonate" (nemmeno sgradevoli, fra l'altro, come "Taxxi", "Transporter" e "Danny the dog"). Non è ben chiaro perché abbia voluto tornare dietro la macchina da presa con questo "piccolo" film a basso budget, senza scene d'azione e con una storia vista e stravista (quasi) da quando esiste il cinema. La trama è banale e non offre nemmeno un colpo di scena in novanta minuti (ci pensava già il titolo, fra l'altro, a spoilerare l'unico mistero che c'era). Anche stilisticamente la pellicola non offre niente di nuovo, anzi è quasi fastidiosa per il suo tentativo di apparire "autoriale" (vedi la fotografia in b/n) senza però creare nulla. Più passa il tempo e più Besson mi ricorda Antonio Serra, lo scrittore di Nathan Never: zero creatività ma un ego grande come una casa.
Peccato, perché il protagonista (Jamel Debbouze) mi è simpatico: era l'architetto egiziano Numerobis in "Asterix e Obelix: missione Cleopatra". Lei, la Rasmussen, è una bella modella stangona (già vista nella scena iniziale di "Femme fatale" di De Palma). Ma evidentemente, almeno agli occhi di Besson, non è che un pallido simulacro di Milla Jovovich.

Pellicola sprecata.

La voce nella tempesta (W. Wyler, 1939)

La voce nella tempesta (Wuthering Heights)
di William Wyler - USA 1939
con Laurence Olivier, Merle Oberon, David Niven
**1/2

Visto ieri in DVD, in italiano.

Questo storico adattamento di "Cime tempestose" era il primo film di Wyler che vedevo, e mi è piaciuto. D'altronde vado matto per questi drammoni sull'amor fou e maledetto. Nonostante un certo alleggerimento "hollywoodiano" nel finale, mi sembra che l'atmosfera cupa e romantica del libro della Brontë (che peraltro non ho ancora letto) sia stata sfruttata bene. Gli attori sono bravi, soprattutto Olivier, mentre la Oberon mi ha lasciato un po' perplesso soprattutto nella prima parte (poi migliora). Forse un'attrice più carismatica avrebbe giovato. Per la precisione, mi è sembrato che mancasse la necessaria alchimia fra lei e Olivier. Infatti, nella seconda parte, quando i due compaiono più raramente insieme sullo schermo e, se lo sono, devono mostrarsi più freddezza che amore, l'attrice funziona meglio. Molto bella la fotografia di Gregg Toland (che infatti vinse l'Oscar), che in certi passaggi trasforma il paesaggio delle "brughiere inglesi" girate negli studi americani in qualcosa che sembra appartenere a una pellicola di Dreyer o di Bergman. Per tutto il tempo della visione, però, avevo in mente la voce di Kate Bush che canticchiava la sua celebre canzone del 1978...

Nota: tempo fa avevo visto la versione di Luis Buñuel, "Cime tempestose" (Abismos de pasion) e mi era piaciuta di più, ma evidentemente il regista spagnolo non aveva dovuto fare i conti con gli studios e non aveva edulcorato il lato horror della storia.

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